Collection municipale d'œuvres d'art

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2004
• Année d'acquisition : 2012
• Médium : Sérigraphie (3/5)
• Dimensions : 25 po x 18 po

Œuvre remise à la Ville de Sainte-Thérèse par le Conseil de la culture des Laurentides à titre de prix Municipalité, dans le cadre des 23^e Grands prix de la culture des Laurentides en 2012.

Démarche artistique

Sa recherche se situe dans l’exploration de créations symboliques. Le corps humain ou des silhouettes s’imposent dans ses réalisations pour soutenir des messages à caractère spirituel ou sacré. Marie-Claude Arnaud s’applique à intégrer plusieurs techniques de gravure et à superposer les images, tout en incluant le numérique.

Biographie de l’artiste

Adjointe administrative et membre active du centre d’artistes autogéré l’Atelier de l’île, situé à Val-David, Marie-Claude Arnaud fait partie du milieu des arts imprimés depuis déjà quelques années. Elle compte à son actif plusieurs expositions collectives et solos.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2014
• Année d'acquisition : 2023
• Médium : Eau forte, gaufrage
• Dimensions : 39 po x 30 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2023 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

La nature est sa première source d’inspiration.

Elle est fascinée par les effets du vent sur l’eau, le givre et la végétation qui inscrivent leur trajectoire propre dans la matière. Elle est influencée par les conditions de plus en plus difficiles auxquelles est soumis l’environnement et par les bouleversements apportés par le réchauffement de la planète.

Elle privilégie la technique de gaufrage, ce qui lui permet de jouer avec des effets de tridimensionnalité. Le gaufrage laisse sa trace dans le blanc du papier et assure une continuité avec la thématique de l’œuvre. L’utilisation du papier fait main, comme le papier St-Gilles, influence de manière importante son processus de création.

Biographie de l’artiste

Bachelière en Arts, Louise Bariteau détient un certificat en arts d’impressions et un certificat en arts et communications graphiques de l’Université du Québec à Montréal ainsi qu’une maîtrise en éducation de l’Université de Montréal.

Artiste graveur depuis plus de 30 ans, c’est à l’Atelier de l’Île de Val-David, qu’elle a perfectionné sa formation en estampe. Elle a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives au pays : Québec, Colombie-Britannique, Ontario ainsi qu’à l’International : Japon, Belgique, Argentine, Cuba et Finlande. Ses gravures ont été sélectionnées à la Biennale de la Gravure « L’Art et le Papier » à Ottawa ainsi qu’à la Biennale de la Gravure à Sarcelles en France. Ses estampes peuvent être vues dans des collections publiques, Bibliothèques et Archives nationales du Québec, Bibliothèque Artothèque Gabrielle Roy du Québec et de la Collection permanente de Blainville.

• Localisation : À venir
• Réalisation : 2014
• Année d'acquisition : 2024
• Médium : Eau forte, chine collé
• Dimensions : 12,5 po x 18 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2024 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

La nature est sa première source d’inspiration. Elle est fascinée par les effets du vent sur l’eau, le givre et la végétation qui inscrivent leur trajectoire propre dans la matière. Elle est influencée par les conditions de plus en plus difficiles auxquelles est soumis l’environnement et par les bouleversements apportés par le réchauffement de la planète.

Elle privilégie la technique de gaufrage, ce qui lui permet de jouer avec des effets de tridimensionnalité. Le gaufrage laisse sa trace dans le blanc du papier et assure une continuité avec la thématique de l’œuvre. L’utilisation du papier fait main, comme le papier St-Gilles, influence de manière importante son processus de création.

Biographie de l’artiste

Bachelière en Arts, Louise Bariteau détient un certificat en arts d’impressions et un certificat en arts et communications graphiques de l’Université du Québec à Montréal ainsi qu’une maîtrise en éducation de l’Université de Montréal.

Artiste graveur depuis plus de 30 ans, c’est à l’Atelier de l’Île de Val-David, qu’elle a perfectionné sa formation en estampe. Elle a participé à plusieurs expositions individuelles et collectives au pays : Québec, Colombie-Britannique, Ontario ainsi qu’à l’International : Japon, Belgique, Argentine, Cuba et Finlande. Ses gravures ont été sélectionnées à la Biennale de la Gravure « L’Art et le Papier » à Ottawa ainsi qu’à la Biennale de la Gravure à Sarcelles en France. Ses estampes peuvent être vues dans des collections publiques, Bibliothèques et Archives nationales du Québec, Bibliothèque Artothèque Gabrielle Roy du Québec et de la Collection permanente de Blainville. C’est à l’Atelier de l’Île de Val-David qu’elle a perfectionné sa formation en estampe. Elle a participé au projet « Grave Jeunes » à Val-David, professeur en gravure durant deux années pour les jeunes de 16 ans et plus.

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 1991-1992
• Année d'acquisition : 1999
• Médium : Gravure (4/10)
• Dimensions : 22,4 po x 30 po

Œuvre acquise par le Conseil de la culture et des communications dans le cadre des Grands prix de la culture. Décernée au Festival de cinéma international de Sainte-Thérèse, l’œuvre est devenue la propriété de la Ville de Sainte-Thérèse lors de la dissolution de l’organisme en 1999.

Démarche artistique

L’artiste cherche constamment à suivre les voies que lui propose le matériau tout en gardant le cap sur les valeurs les plus profondes qui l’inspirent : la nature, l’art et la famille. Elle tente d’exprimer la réalité qui se cache derrière la surface des choses et de saisir en images l’infinie complexité émouvante de la vie. Sa recherche s’est articulée autour de traces délicates et éminemment personnelles pour aller vers une dimension plus large avec les poètes du pays et d’ailleurs. 

Biographie de l’artiste

Jocelyne Aird-Bélanger est diplômée de l’Université de Montréal en pédagogie et en communications ainsi que de l’École des beaux-arts de Montréal en peinture et en dessin. Ses œuvres ont été vues dans une quinzaine d’expositions individuelles au Québec et en France ainsi que dans plus de 140 expositions collectives au Canada, aux États-Unis, au Mexique et au Portugal. L’artiste s’est initiée à la gravure en 1975 à l’Atelier de l’Île (Val-David), dont elle fut la coordonnatrice pendant plus de vingt ans. Membre honoraire de ce même atelier ainsi que du Conseil québécois de l’estampe, aujourd’hui connu sous le nom de Regroupement pour la promotion de l’art imprimé (ARPRIM), Jocelyne Aird-Bélanger vit et travaille dans les Laurentides.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2012
• Année d'acquisition : 2012
• Médium : Techniques mixtes, toile galerie
• Dimensions : 36 po x 30 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2012 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

La symbolique fait partie intégrante de l’œuvre de Roland Benoit, qui est principalement autobiographique. Il a toutefois d’autres sources d’inspiration comme la psychologie, la spiritualité et le comportement de l’être humain dans la société contemporaine. L’artiste aime faire vivre une expérience qui favorise la réflexion ou une prise de conscience.

Par des œuvres abstraites, des plans rapprochés de visages ou la représentation du corps, il tente de révéler les mouvements intérieurs, les obstacles et les éléments qui contribuent au développement et à l’affirmation de l’identité personnelle. L’utilisation de techniques mixtes (acrylique, Gesso, fusain, pastel sec) permet de mieux représenter et d’exprimer toute la complexité de l’être. 

Biographie de l’artiste

Roland Benoit est originaire de New Liskeard, en Ontario. Il a étudié à l’Université de Montréal et s’est établi au Québec après avoir obtenu son baccalauréat en arts et lettres. Il a œuvré dans le domaine des communications, notamment à titre de rédacteur et d’illustrateur. Il a poursuivi sa formation en arts visuels (dessin, peinture et techniques mixtes). Il se consacre maintenant à son art et à l’enseignement.

Roland Benoit est membre professionnel du Regroupement des artistes en arts visuels (RAAV). Il a participé à plusieurs expositions collectives au Canada et à l’international (Corée du Sud et Croatie, 1999). Il a aussi réalisé des expositions individuelles. Ses œuvres ont remporté des prix et figurent parmi des collections publiques et privées.

• Localisation : À venir
• Réalisation : 2022
• Année d'acquisition : 2024
• Médium : Sérigraphie
• Dimensions : 11,5 po x 8,4 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2024 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Actuellement en phase d'expérimentation artistique, je laisse place à la sérendipité dans mon processus de création, où la découverte d'une chose inattendue joue un rôle central. Je célèbre les étapes, les erreurs et les découvertes. La collecte est une étape cruciale de mon processus où je rassemble les fragments du quotidien tels que des expériences vécues, des rencontres et des apprentissages, ainsi que des éléments plus tangibles comme des carnets d’écriture, des photographies, des pamphlets d’expositions et d'autres éléments. Ces fragments constituent les éléments de base de mon langage artistique, qui est formé par un assemblage méticuleux de ces diverses sources.

Mon travail est une invitation à plonger dans l'inconnu, à travers des expériences immersives qui transcendent les conventions artistiques traditionnelles. Cette transcendance est réalisée en défiant les limites établies, en explorant de nouvelles formes d'expression et en encourageant une interaction profonde avec l’oeuvre. Le spectateur est invité à se perdre et à se questionne dans ces espaces d’explorations. Chaque oeuvre est un morceau du puzzle complexe qui constitue ma vision artistique, contribuant à enrichir mes connaissances et mon univers créatif.

Biographie de l’artiste

Claudia Bérubé est une artiste multidisciplinaire et exploratrice basé à Montréal. Elle est étudiante au baccalauréat en arts visuels et médiatiques à l'Université du Québec à Montréal. En 2023, son parcours l'a menée à réaliser un semestre à l'École Supérieure des Arts et Design de Toulon. Actuellement en phase d'expérimentation artistique, elle célèbre la sérendipité dans son processus de création, où la découverte d'une chose inattendue joue un rôle central. Pour elle, chaque oeuvre est un morceau du puzzle complexe qui constitue sa vision artistique.

• Localisation : À venir
• Réalisation : 2022
• Année d'acquisition : 2024
• Médium : Sérigraphie
• Dimensions : 11,5 po x 8,4 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2024 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Actuellement en phase d'expérimentation artistique, je laisse place à la sérendipité dans mon processus de création, où la découverte d'une chose inattendue joue un rôle central. Je célèbre les étapes, les erreurs et les découvertes. La collecte est une étape cruciale de mon processus où je rassemble les fragments du quotidien tels que des expériences vécues, des rencontres et des apprentissages, ainsi que des éléments plus tangibles comme des carnets d’écriture, des photographies, des pamphlets d’expositions et d'autres éléments. Ces fragments constituent les éléments de base de mon langage artistique, qui est formé par un assemblage méticuleux de ces diverses sources.

Mon travail est une invitation à plonger dans l'inconnu, à travers des expériences immersives qui transcendent les conventions artistiques traditionnelles. Cette transcendance est réalisée en défiant les limites établies, en explorant de nouvelles formes d'expression et en encourageant une interaction profonde avec l’oeuvre. Le spectateur est invité à se perdre et à se questionne dans ces espaces d’explorations. Chaque oeuvre est un morceau du puzzle complexe qui constitue ma vision artistique, contribuant à enrichir mes connaissances et mon univers créatif.

Biographie de l’artiste

Claudia Bérubé est une artiste multidisciplinaire et exploratrice basé à Montréal. Elle est étudiante au baccalauréat en arts visuels et médiatiques à l'Université du Québec à Montréal. En 2023, son parcours l'a menée à réaliser un semestre à l'École Supérieure des Arts et Design de Toulon. Actuellement en phase d'expérimentation artistique, elle célèbre la sérendipité dans son processus de création, où la découverte d'une chose inattendue joue un rôle central. Pour elle, chaque oeuvre est un morceau du puzzle complexe qui constitue sa vision artistique.

• Localisation : À venir
• Réalisation : 2022
• Année d'acquisition : 2024
• Médium : Sérigraphie
• Dimensions : 8,4 po x 11,5 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2024 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Actuellement en phase d'expérimentation artistique, je laisse place à la sérendipité dans mon processus de création, où la découverte d'une chose inattendue joue un rôle central. Je célèbre les étapes, les erreurs et les découvertes. La collecte est une étape cruciale de mon processus où je rassemble les fragments du quotidien tels que des expériences vécues, des rencontres et des apprentissages, ainsi que des éléments plus tangibles comme des carnets d’écriture, des photographies, des pamphlets d’expositions et d'autres éléments. Ces fragments constituent les éléments de base de mon langage artistique, qui est formé par un assemblage méticuleux de ces diverses sources.

Mon travail est une invitation à plonger dans l'inconnu, à travers des expériences immersives qui transcendent les conventions artistiques traditionnelles. Cette transcendance est réalisée en défiant les limites établies, en explorant de nouvelles formes d'expression et en encourageant une interaction profonde avec l’oeuvre. Le spectateur est invité à se perdre et à se questionne dans ces espaces d’explorations. Chaque oeuvre est un morceau du puzzle complexe qui constitue ma vision artistique, contribuant à enrichir mes connaissances et mon univers créatif.

Biographie de l’artiste

Claudia Bérubé est une artiste multidisciplinaire et exploratrice basé à Montréal. Elle est étudiante au baccalauréat en arts visuels et médiatiques à l'Université du Québec à Montréal. En 2023, son parcours l'a menée à réaliser un semestre à l'École Supérieure des Arts et Design de Toulon. Actuellement en phase d'expérimentation artistique, elle célèbre la sérendipité dans son processus de création, où la découverte d'une chose inattendue joue un rôle central. Pour elle, chaque oeuvre est un morceau du puzzle complexe qui constitue sa vision artistique.

• Localisation : À venir
• Réalisation : 1999
• Année d'acquisition : 2000
• Médium : Impression au laser (1/25)
• Dimensions : 7,2 po x 6 po

Œuvre en consignation : il s’agit d’un prêt du comité culturel de Sainte-Thérèse. L’œuvre est devenue la propriété du comité à la suite d’une exposition de l’artiste à la Maison Lachaîne dans le cadre du Printemps des arts en 2000.

Démarche artistique

Gilles Boisvert s’intéresse à la vie quotidienne, sociale et politique ainsi qu’aux nouvelles technologies liées aux communications. Artiste très prolifique et avant-gardiste, il a d’abord touché à la gravure, à la lithographie, à la photographie, au dessin, à la peinture, au cinéma, à l’installation, à la sculpture, au multimédia et, enfin, à l’infographie. Remarquable tant par ses couleurs vives et contrastées que par sa facture abstraite, mais structurée, cette impression laser de Gilles Boisvert s’inscrit dans la démarche picturale qui caractérise sa production. Magicien du geste et de la couleur, le pinceau laisse ici sa place aux pixels.

Biographie de l’artiste

Depuis 1963, Gilles Boisvert travaille à titre de peintre et de sculpteur professionnel. S’inspirant de la peinture gestuelle américaine et de l’automatisme québécois, ses abstractions avant-gardistes ont préfiguré le pop art québécois. Il a tenu une trentaine d’expositions solos au Canada et à l’étranger dans différents musées et diverses galeries. Il a aussi participé à de nombreuses expositions de groupe. Parallèlement, il a réalisé une dizaine d’œuvres monumentales dans des lieux publics du Québec et des États-Unis. Ses œuvres font partie de près d’une trentaine des plus grandes collections publiques au Canada.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 1999
• Année d'acquisition : 2009
• Médium : Techniques mixtes
• Dimensions : 48,8 po x 48,8 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse à la suite d’une exposition de l’artiste à la Maison Lachaîne en 2009.

Démarche artistique

À partir d’indices photographiques, Nancy Bourassa crée des espaces picturaux qui évoquent des formes topographiques et des repérages fictifs. L’artiste exploite une grande variété de techniques comme l’empâtement, le lavis, les traits à la scie et le collage afin de créer des images où la peinture établit un dialogue avec la photographie. Par le processus d’ajout et d’extraction de matière sur les surfaces, l’artiste renforce l’idée que la mémoire a la capacité de conserver, de récupérer et d’oublier différentes représentations.

Biographie de l’artiste

Nancy Bourassa, jeune artiste des Laurentides, a obtenu son baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal et a complété sa formation à l’École supérieure des arts décoratifs de Strasbourg. Elle a exposé dans plusieurs galeries. Plus récemment, elle a réalisé une œuvre d’intégration des arts à l’architecture pour la Ville de Boisbriand. Cette jeune artiste a remporté plusieurs prix prestigieux.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2012
• Année d'acquisition : 2012
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 36 po x 60 po

Œuvre réalisée avec la participation du public lors de l’édition 2012 de la Rentrée au Village de la Ville de Sainte-Thérèse, elle fut acquise la même année.

Démarche artistique

Créateur, Charlem exploite l'acrylique, l'huile, l'aquarelle et les techniques mixtes. Le cosmos, le rêve, le corps humain et la biodiversité font partie des thématiques qu'il visite fréquemment. L'essentiel de son œuvre est consacré à la prise de conscience universelle, à la compréhension de l’énergie globale qui nous anime et à la recherche de connaissances sur les anciennes civilisations évoluées.

Biographie de l’artiste

Grâce à son projet monumental Terre d’espoir exposé au musée de la Biosphère de Montréal en 2010, Charlem est reconnu comme un artiste polyvalent auprès des médias nationaux et de la communauté artistique. Depuis, il a présenté plusieurs expositions et murales à travers le Québec, ainsi qu'en Amérique latine. À la suite de sa formation en arts plastiques au Collège Lionel-Groulx de Sainte-Thérèse en 2000, Charlem demeure très impliqué dans le domaine artistique. Depuis, il continue de partager sa passion avec des milliers d'élèves lors d'ateliers et de conférences sur les arts dans le milieu scolaire.

• Localisation : Maison Lachaîne
• Réalisation : 2015
• Année d'acquisition : 2015
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 36 po x 24 po

Œuvre réalisée en 2015 en direct du lancement de la nouvelle politique culturelle de la Ville de Sainte-Thérèse, elle fut acquise la même année.

Démarche artistique

Créateur, Charlem exploite l'acrylique, l'huile, l'aquarelle et les techniques mixtes. Le cosmos, le rêve, le corps humain et la biodiversité font partie des thématiques qu'il visite fréquemment. L'essentiel de son œuvre est consacré à la prise de conscience universelle, à la compréhension de l’énergie globale qui nous anime et à la recherche de connaissances sur les anciennes civilisations évoluées.

Biographie de l’artiste

Grâce à son projet monumental Terre d’espoir exposé au musée de la Biosphère de Montréal en 2010, Charlem est reconnu comme un artiste polyvalent auprès des médias nationaux et de la communauté artistique. Depuis, il a présenté plusieurs expositions et murales à travers le Québec, ainsi qu'en Amérique latine. À la suite de sa formation en arts plastiques au Collège Lionel-Groulx de Sainte-Thérèse en 2000, Charlem demeure très impliqué dans le domaine artistique. Depuis, il continue de partager sa passion avec des milliers d'élèves lors d'ateliers et de conférences sur les arts dans le milieu scolaire.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 1982
• Année d'acquisition : 1999
• Médium : Gravure
• Dimensions : 39 po x 27 po

Œuvre acquise par le Conseil de la culture et des communications dans le cadre des Grands prix de la culture. Décernée au Festival de cinéma international de Sainte-Thérèse, l’œuvre est devenue la propriété de la Ville lors de la dissolution de l’organisme en 1999.

Démarche artistique

René Derouin a développé un art personnel empreint de ses multiples expériences. Il a exploré les thèmes du territoire, de l’identité, des migrations et du métissage. Il sait transcrire ses préoccupations d’homme moderne ainsi que les blessures intimes dans ses œuvres remarquables. Dès la fin des années 1950, il explore les techniques de l’estampe. La dualité nord-sud prend beaucoup d’ampleur dans ses œuvres.

Biographie de l’artiste

Né à Montréal en 1936, René Derouin est un artiste international et un citoyen de Val-David. Il est récipiendaire de nombreuses reconnaissances, dont le prestigieux prix Paul-Émile Borduas qui lui a été remis en 1999 par le gouvernement du Québec. Après avoir suivi une formation de graphiste et de dessinateur publicitaire, il entreprend la traversée des États-Unis et du Mexique. Ce grand voyage constitue une étape déterminante de son évolution artistique.

Artiste multidisciplinaire, Derouin fonde les Éditions Formart en 1970. Il est aussi membre fondateur et directeur du Conseil québécois de l’estampe, aujourd’hui connu sous le nom d’ARPRIM. En 1995, il crée la Fondation René-Derouin. Cette dernière organise chaque année un symposium pour favoriser la rencontre d’artistes venant de différentes disciplines et des quatre coins des Amériques.

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2010
• Année d'acquisition : 2022
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 48 po x 60 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2022 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Samuel Desjardins a effectué un parcours académique en psychologie (doctorat en neuropsychologie) qui l’a amené à comprendre l’humain d’une façon plus nuancée. Ses œuvres ont généralement pour but de représenter le phénomène humain, de par ses actions plutôt banales, de même que dans ses comportements plus anormaux. Voilà pourquoi les scènes représentées sont souvent marquées par une impression d'étrangeté, parfois subtile, parfois ferme. L'humain peut accomplir certains gestes très ordinaires que l’on retrouve dans différentes situations courantes de la vie quotidienne. Toutefois, il sait aussi surprendre par divers comportements déviants ou non désirés. Dans les deux cas, l’artiste s’appuie, dans ses compositions, sur le fait que cela peut rejoindre plusieurs personnes dans leur vécu ou dans leur univers fantasmatique. Son œuvre dépeint également des indices liés à notre époque et à notre culture québécoise, tant urbaine que rurale.

Biographie de l’artiste

Samuel Desjardins a grandi et habite à Sainte-Thérèse. Il est détenteur d’un doctorat en psychologie sur la perception visuelle à l’UQAM, d’études postdoctorales sur la perception visuelle à Harvard et d’un baccalauréat en arts plastiques à l’Université Concordia. Il est professeur de psychologie au Collège Lionel-Groulx depuis 2008 et, en parallèle, il continue activement à peindre le phénomène humain.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2014
• Année d'acquisition : 2017
• Médium : Peinture, techniques mixtes et sérigraphie sur panneau de bouleau
• Dimensions : 30 po x 30 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2017 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Ses principales recherches se penchent sur la relation du corps dans un espace et l’attachement à un territoire. Pour approfondir ses propres réflexions, elle mène des expériences artistiques où l’humain devient à la fois cobaye et acteur, pour ensuite créer des œuvres dans un esprit de tissage identitaire.

Biographie de l’artiste

Sandra Djina Ravalia est une artiste multidisciplinaire titulaire d’un baccalauréat en Beaux-Arts, décerné avec les honneurs, de l’Université de Concordia à Montréal en 2001. Au fil de sa carrière, elle a participé à de nombreux projets artistiques au Québec et en Europe et a gagné plusieurs prix. Originaire de l’île de La Réunion, elle est installée au Québec depuis plus de 20 ans.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2011
• Année d'acquisition : 2017
• Médium : Eau forte et chine collé
• Dimensions : 23.5 po x 43.5 po x 11.5 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2017 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Son travail s’articule autour de la commémoration, de l’évocation, du devoir de mémoire. Il s’attarde à des thèmes contemporains à travers sa vision de femme. Il s’agit, en utilisant des archétypes universels qui transcendent le temps et les particularités, de se remémorer une ou des personnes disparues au cœur de divers contextes de la vie. La disparition est un événement traumatique que chaque civilisation a cherché à ritualiser pour la conjurer et que la nôtre doit réinventer. Elle interroge l’invisible, le symbolique, le sacré, le rite, etc.

L’une des caractéristiques de son travail est qu’il évolue dans le temps avec la participation du public invité à figurer passagèrement dans l’œuvre, à y collaborer, ou encore à emporter une partie de celle-ci. Le tout nourrit son processus de création.

Biographie de l’artiste

Suzanne FerlandL vit et travaille dans les Laurentides. Elle est titulaire d’un baccalauréat du programme d’arts plastiques création de l’Université du Québec à Montréal. Artiste multidisciplinaire, elle conjugue art action, art furtif, art relationnel avec la gravure, la sculpture et l’installation. Elle a participé depuis dix ans à plus d’une vingtaine d’expositions collectives et individuelles et ses œuvres se retrouvent au sein de plusieurs collections privées et publiques.

Elle recevait en 2008, 2009, 2014 et 2015 une bourse du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ) pour Sentier Art3, un événement d'art public en nature qu'elle a initié en partenariat avec le Parc régional Bois de Belle-Rivière (Mirabel) et le Musée d'art contemporain des Laurentides (Saint-Jérôme). En 2014, elle reçoit une bourse de déplacement du CALQ pour une résidence de création à Lijiang, en Chine. En 2015, elle remporte la bourse du CALQ pour une résidence de trois mois dans le studio de Tapiola de la Fondation finlandaise à Espoo, Finlande. En 2017, une bourse de déplacement du CALQ lui permet une résidence à Lisbonne et une bourse du CALQ Laurentides lui est octroyée pour la production d'un livre-mémoire des 10 ans de Sentier Art3. En 2018, elle remporte le prix Excellence pour la qualité de ses œuvres et leur intégration poétique à l'environnement.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2023
• Année d'acquisition : 2024
• Matériaux : livres élagués, papier imprimé, bronze patiné
• Techniques de fabrication : gravure à l’eau-forte, sculpture à la cire perdue, collage et assemblage
• Dimensions : 60 cm x 36 cm x 28 cm

La sagesse des livres est un projet réalisé grâce au soutien financier du gouvernement du Québec et de la MRC de Thérèse-De Blainville dans le cadre de l’Entente de développement culturel 2021-2023, en collaboration avec les villes de la MRC.

L’artiste et le livre

Le livre a toujours été important dans ma démarche et ma production artistique. D’aussi loin que je me souvienne, le livre a fait partie de mon iconographie. Il est source de connaissance, de découverte, d’enrichissement, d’inspiration, d’imagination, d’histoire … J’ai pour le livre un très grand respect. Il est pour moi une sorte d’objet sacré. 

Dans mon travail artistique, le livre est fragment de mémoire. D’ailleurs, je crée un livre d’artiste chaque fois que j’effectue une résidence ou un art action en espace public. Dans ma toute récente production, les pages du livre servent de support et l’encre des mots de trame de fond à des dessins, collages et gravures. C’est d’ailleurs la toute première fois que j’osais désassembler un livre.

Le défi, l’idée, le concept

L’invitation de la MRC de Thérèse-De Blainville visait la création d’une œuvre d’art constituée de livres élagués des bibliothèques municipales du territoire, qui puisse être scindée en sept parties à la fin de la tournée d’exposition, représentant ainsi l’unité des sept villes de la MRC.

Par La sagesse des livres, j’ai tenté de relever le défi de travailler avec une grande quantité de livres, tout en respectant leur matérialité, leurs épaisseurs, leurs ouvertures et fermetures, le noir de l’imprimerie, les blancs du papier. Tout ce qui constitue le livre et la filiation de celui-ci avec l’arbre. L’arbre est, par sa verticalité, symbole d’ascension. 

Ceci m’a donc amenée à penser la création d’une œuvre verticale. La verticalité me permet de présenter une œuvre grand format facilement séparable, tout en respectant les dimensions variables des sept bibliothèques qui l’accueilleront pendant la tournée. 

La description et le symbolisme de l’œuvre

Présentées en deux sections, sur une base d’acier, les deux colonnes de livres ont respectivement une hauteur d’environ 200 centimètres et 150 centimètres. Elles réunissent plus de 140 livres élagués. 

Les livres et leurs pages sont tout d’abord collés pour former un bloc solide. Puis, dans l’idée de retourner les livres à leur origine, ils sont recouverts d’impressions de gravures (eau forte) monochromes (noir coloré), dont l’iconographie réfère à la végétation. L’empilement des livres – telles des strates – renvoie au temps, comme les cernes de l’arbre indiquent son âge. 

Pour continuer dans la matérialité, de petits personnages sculptés en bronze escaladent les piles de livres, ascension vers une connaissance étendue, symbolisée par une échelle. Chacune des sculptures, de plus ou moins 10 centimètres de hauteur, transporte un élément symbolique évoquant le pouvoir et la fécondité accrus résultants de la connaissance : des lettres de l’alphabet, une ampoule, une clef, un escargot, une branche feuillue, une flèche, une maison, une pierre, un oiseau, une ombrelle, un ours, un poisson, un téléphone, une tortue …

Les éléments sont disposés de manière à inviter le regardeur à faire le tour de l’œuvre. Le tout constitue un agencement sculptural amusant, suscitant la réflexion chez les petits comme les grands.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2013
• Année d'acquisition : 2017
• Médium : Gravure à l’eau-forte
• Dimensions : 15 po x 22.4 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2017 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale et tirée de l’exposition Manger nomade; l’art de manger un peu partout, pour laquelle l’artiste a été récipiendaire du prix Excellence du Conseil de la culture des Laurentides en partenariat avec Télé-Québec en 2014.

Démarche artistique

Par la pratique de l’estampe, Marilyse Goulet porte un regard personnel sur les relations que les gens entretiennent avec la nourriture. Sa recherche artistique dresse un portrait visuel qui reflète les mœurs, les modes et les comportements d’une époque. Elle démontre que les rites et les idées culinaires sont un véritable reflet de la société, l’expression même d’une identité.

Biographie de l’artiste

Marilyse Goulet vit et travaille dans les Laurentides. Elle est diplômée en arts visuels et en enseignement des arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. Active dans le milieu de l’art imprimé, elle est membre et vice-présidente de l’Atelier de l’Île, centre d’artiste autogéré spécialisé en estampe contemporaine situé à Val-David.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2013
• Année d'acquisition : 2017
• Médium : Gravure à l’eau-forte
• Dimensions : 22.4 po x 15 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2017 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale et tirée de l’exposition Manger nomade; l’art de manger un peu partout, pour laquelle l’artiste a été récipiendaire du prix Excellence du Conseil de la culture des Laurentides en partenariat avec Télé-Québec en 2014.

Démarche artistique

Par la pratique de l’estampe, Marilyse Goulet porte un regard personnel sur les relations que les gens entretiennent avec la nourriture. Sa recherche artistique dresse un portrait visuel qui reflète les mœurs, les modes et les comportements d’une époque. Elle démontre que les rites et les idées culinaires sont un véritable reflet de la société, l’expression même d’une identité.

Biographie de l’artiste

Marilyse Goulet vit et travaille dans les Laurentides. Elle est diplômée en arts visuels et en enseignement des arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. Active dans le milieu de l’art imprimé, elle est membre et vice-présidente de l’Atelier de l’Île, centre d’artiste autogéré spécialisé en estampe contemporaine situé à Val-David.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2013
• Année d'acquisition : 2017
• Médium : Gravure à l’eau-forte
• Dimensions : 22.4 po x 15 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2017 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale et tirée de l’exposition Manger nomade; l’art de manger un peu partout, pour laquelle l’artiste a été récipiendaire du prix Excellence du Conseil de la culture des Laurentides en partenariat avec Télé-Québec en 2014.

Démarche artistique

Par la pratique de l’estampe, Marilyse Goulet porte un regard personnel sur les relations que les gens entretiennent avec la nourriture. Sa recherche artistique dresse un portrait visuel qui reflète les mœurs, les modes et les comportements d’une époque. Elle démontre que les rites et les idées culinaires sont un véritable reflet de la société, l’expression même d’une identité.

Biographie de l’artiste

Marilyse Goulet vit et travaille dans les Laurentides. Elle est diplômée en arts visuels et en enseignement des arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal. Active dans le milieu de l’art imprimé, elle est membre et vice-présidente de l’Atelier de l’Île, centre d’artiste autogéré spécialisé en estampe contemporaine situé à Val-David.

Site Web de l'artiste

• Localisation : À venir
• Réalisation : 2024
• Année d'acquisition : 2024
• Médium : Gravure en relief sur linoléum, cyanotype, chine collé, acrylique
• Dimensions : 22 po x 30 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2024 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Depuis la nuit des temps, au fil de toutes les civilisations du monde, l’humanité a instinctivement désiré s’exprimer par l’empreinte et le signe. Traces de mains, hiéroglyphes, sceaux chinois et autres icônes ne sont jamais une fin en soi, mais toujours un moyen de communication par la matière.

Depuis plus d’une quinzaine d’années, mon expression en tant qu’artiste repose en grande partie sur la manipulation de la matière et des effets provoqués par mes divers outils. La ligne et le point, la taille, la contre-taille et la taille d’épargne, la multitude et le multiple, l’effacement et l’usure de l’image, l’empreinte du temps, la forme et la contre-forme, constituent autant de pratique manuelle, de travail technique sur différents matériaux de manière à reproduire des dessins et des compositions et à figurer des traces et des empreintes dans une production artistique.

À une époque où tout se fait tellement vite, les techniques dites artisanales me permettent de garder un certain contact avec mes origines. Fascinée par l’héritage culturel, je questionne par la pratique des arts visuels les relations qu’entretiennent aujourd’hui l’humain avec la nature ainsi que la manière dont il conçoit et matérialise sa cohabitation avec elle.

Outre le médium de l’estampe sur papier, j’intègre le dessin, l'impression textile, l’infographie, la sculpture, l’art relationnel et plusieurs autres techniques qui permettent de faire resurgir les liens qui nous relient à notre environnement physique, historique et social. Expérimentation technique, déploiement des formats ou des supports, questionnement sur le multiple et son principe de sérialité, recours à l’imprimé et à son pouvoir de diffusion pour développer des propos sociaux ou politiques ou encore pour relier art et vie quotidienne sont au coeur de ma démarche artistique.

Aimant la matière avec laquelle je dessine, grave et imprime; j'aime me laisser surprendre par de nouveaux défis créatifs et de nouvelles associations comme si j'étais dépassée par ma propre création. Je suis une gourmande, une impatiente, une rêveuse, une tête de mule, une distraite, une passionnée. Je suis une conteuse-graveuse de matières. Parce que j'ai besoins de sentir le temps qui passe pour décrire la vie autrement!

Biographie de l’artiste

Marilyse Goulet vit et travaille au Québec, Canada. Elle est une artiste multidisciplinaire qui se concentre principalement dans le domaine des arts imprimés. Ayant suivi une formation universitaire combinant l’art et la médiation, cette expérience a laissé une empreinte significative sur l'ensemble de sa démarche artistique. Son travail se caractérise par des couleurs vives et un travail au trait. Son parcours témoigne d'un intérêt profond pour la rencontre dans différents milieux avec divers publics qui enrichi et nourri son cheminement visuel.

Depuis le début de sa carrière, Marilyse Goulet a été récipiendaire de plusieurs prix et bourses. Cette année, elle a remporté le grand prix artiste de l’année dans les Laurentides du Conseil des Arts et des Lettres du Québec. Ses dernières recherches en estampe ont été sélectionnées dans le cadre de la 13e Biennale Internationale d’estampe de Trois-Rivières et ont été choisies à l’internationale dans le cadre de la 21e Biennale de Sarcelles en France et par l’Atelier Empreinte afin de réaliser une résidence en gravure au Luxembourg.

Au cours de l’année 2022, l’évolution de sa démarche artistique a été présentée à la Maison Lachaîne de Sainte-Thérèse et son projet Mémoires partagées avec le Musée d'art contemporain des Laurentides a été diffusé au Parc de la Rivière-du-Nord dans le cadre des projets hors les murs du MACLAU. Plusieurs jeunes de la grande région des Laurentides ont pu bénéficier d’une médiation artistique en lien avec ses oeuvres gravées. En 2021, une exposition solo de son travail a été présenté à la Maison-atelier Rodolphe Duguay dans le cadre des projets parallèles de la Biennale Internationale d'estampe contemporaine de Trois-Rivières.

En 2020, elle participa à l'exposition collective : Quand la collection prédit l'avenir du Musée d'art contemporain des Laurentides, une recherche contemporaine qui révise l'approche de collectionnement. En 2017, le prix Francine Turcotte de l'Atelier Presse Papier lui a été accordé pour son livre gravé intitulé: À c't'heure c'est la Fête ! Le prix Excellence du Conseil de la Culture des Laurentides, remis en partenariat avec Télé-Québec et le concours Jeunes artistes en arts visuel des Laurentides lui ont été aussi attribué. Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées, dont Loto-Québec, Hydro-Québec, la Banque Nationale, le Musée d’art contemporain des Laurentides, la Bibliothèque et Archives nationales et l’Institut Canadien de Québec.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2022
• Année d'acquisition : 2023
• Médium : Acrylique sur panneau de merisier
• Dimensions : 36 po x 72 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2023 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Jasmin Guérard-Alie monte en 2022 l’exposition Réminiscence pour souligner les 15 ans d’une œuvre significative de sa carrière : la murale sur la Old Brewery Mission à Montréal. Signée par le collectif ArtduCommun, cette œuvre iconique marqua le début d’une vague locale de murales de grand format.

Avec l’exposition Réminiscence, le collectif ArtduCommun relève un immense défi : celui de replonger dans un univers déjà exploré, mais surtout, celui d’établir un pont entre l’art mural et la galerie. Délaissant les canevas géants, le collectif crée un jeu de proportions avec un corpus de tableaux à échelle humaine. S’envoler et les autres créations uniques de l’exposition sont vivantes, colorées, soigneusement exécutées et témoignent de la richesse culturelle de la murale. Leur saveur et leur impact est issu d’une riche expérience en termes de technique et de composition.

L’inspiration est imprévisible et surprenante.

Que ce soit pour la production de tableaux, d’illustrations ou de murales, l’approche créative pour la phase conceptuelle demeure un processus étrange à la fois organique et orchestré. L’artiste, en mode solo ou collectif, va prendre conscience de l’essence du lieu d’inspiration si cela s’y prête, pour s’imprégner de l’environnement, de l’architecture, de la nature, des gens, de la gastronomie, de l’atmosphère, de la lumière, etc. Mais également, s’immerger de références visuelles, plonger dans des conversations et se perdre dans des réflexions. Les thèmes découverts servent alors de trame narrative qui oriente le concept.

Biographie de l’artiste

Né à Montréal, Jasmin est passionné par le dessin depuis qu'il est tout jeune, ce qui le mène à une formation en arts visuels et en illustration publicitaire. En tant qu'artiste peintre, illustrateur et muraliste, il adore mettre en images une panoplie d’idées, de concepts et de situations sans se limiter. Son style naturel et éclectique caractérise ses œuvres de manière distinctive depuis plus de 20 ans. Membre fondateur d’ArtduCommun, un collectif de peintres muralistes créé à Montréal en 2006, Jasmin Guérard-Alie réalise des œuvres d'art public majeures aux côtés de pionniers de la murale contemporaine. Avec Simon Bachand, acolyte de longue date, il explore le pont entre l’art mural et le milieu de la galerie, par la création d’expositions de tableaux. Son approche est en constante évolution.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2013
• Année d'acquisition : 2014
• Médium : Acrylique et encre de chine
• Dimensions : 24 po x 48 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2014 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Le travail de Stéphanie Homier s’élabore autour d’une recherche de rivalité entre l’abstraction et la figuration. Elle tend à modifier la manière de percevoir et d’habiter l’image en insistant sur les rapports métaphoriques et subjectifs. Ses œuvres témoignent d’une symbiose d’éléments tirés de la nature organique, de l’anatomie et du design industriel. L’artiste compose avec les riches jeux de textures et de couleurs pour faire jaillir un lieu incertain. De plus, la réunification dans un espace flottant, qui aspire aux déplacements et à la mouvance, octroie une apparence éphémère et frêle aux œuvres.

Biographie de l’artiste

Bachelière en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal, depuis 2005 Stéphanie Homier se spécialise dans l’art d’impression, la peinture et la sculpture monumentale. Ses projets s’élaborent souvent en relation avec l’architecture. Elle compte à son actif plusieurs expositions individuelles et collectives, symposiums et participations à des événements artistiques, notamment dans les régions de Sainte-Thérèse, Laval et Montréal. Elle a obtenu plusieurs bourses et prix, notamment de la Fondation de soutien aux Arts de Laval (FSAL), de la Caisse Desjardins et de la Ville de Sainte-Thérèse.

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2019
• Année d'acquisition : 2021
• Médium : Techniques mixtes
• Dimensions : 12 po x 24 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2021 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale et réalisée lors d’une résidence artistique de recherche et de création en Islande.

Démarche artistique

Pour cette série intitulée Noblewoman, Anne-Julie Hynes pose un regard intimiste sur la muse qui figure dans chacune de ses œuvres, sa mère. Elle a voulu dépeindre sa beauté brute à travers le temps en s’attardant sur l’individualité et le mystère : beau, jeune et vivant. Chaque photo a été transformée par un collage numérique. Certains photomontages finaux ont fait l’objet de travail textile supplémentaire, par l’ajout de fils ou de laine, et par la perforation.

Biographie de l’artiste

Anne-Julie Hynes est une artiste multidisciplinaire de Montréal. Son travail reflète une relation très forte avec le paysage et la nature. Elle travaille avec différents médiums tels que la peinture, la photographie, le collage et la sculpture.

Son talent lui a permis d'être choisie pour participer à différentes résidences d'art, de recherche et de création à travers le monde. Elle se considère désormais comme une artiste nomade, dont le travail est fortement influencé par le pays où elle installe son atelier.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2019
• Année d'acquisition : 2021
• Médium : Techniques mixtes
• Dimensions : 12 po x 28 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2021 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale et réalisée lors d’une résidence artistique de recherche et de création en Islande.

Démarche artistique

Pour cette série intitulée Noblewoman, Anne-Julie Hynes pose un regard intimiste sur la muse qui figure dans chacune de ses œuvres, sa mère. Elle a voulu dépeindre sa beauté brute à travers le temps en s’attardant sur l’individualité et le mystère : beau, jeune et vivant. Chaque photo a été transformée par un collage numérique. Certains photomontages finaux ont fait l’objet de travail textile supplémentaire, par l’ajout de fils ou de laine, et par la perforation.

Biographie de l’artiste

Anne-Julie Hynes est une artiste multidisciplinaire de Montréal. Son travail reflète une relation très forte avec le paysage et la nature. Elle travaille avec différents médiums tels que la peinture, la photographie, le collage et la sculpture.

Son talent lui a permis d'être choisie pour participer à différentes résidences d'art, de recherche et de création à travers le monde. Elle se considère désormais comme une artiste nomade, dont le travail est fortement influencé par le pays où elle installe son atelier.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2019
• Année d'acquisition : 2021
• Médium : Techniques mixtes
• Dimensions : 18 po x 12 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2021 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale et réalisée lors d’une résidence artistique de recherche et de création en Islande.

Démarche artistique

Pour cette série intitulée Noblewoman, Anne-Julie Hynes pose un regard intimiste sur la muse qui figure dans chacune de ses œuvres, sa mère. Elle a voulu dépeindre sa beauté brute à travers le temps en s’attardant sur l’individualité et le mystère : beau, jeune et vivant. Chaque photo a été transformée par un collage numérique. Certains photomontages finaux ont fait l’objet de travail textile supplémentaire, par l’ajout de fils ou de laine, et par la perforation.

Biographie de l’artiste

Anne-Julie Hynes est une artiste multidisciplinaire de Montréal. Son travail reflète une relation très forte avec le paysage et la nature. Elle travaille avec différents médiums tels que la peinture, la photographie, le collage et la sculpture.

Son talent lui a permis d'être choisie pour participer à différentes résidences d'art, de recherche et de création à travers le monde. Elle se considère désormais comme une artiste nomade, dont le travail est fortement influencé par le pays où elle installe son atelier.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2019
• Année d'acquisition : 2021
• Médium : Techniques mixtes
• Dimensions : 18 po x 12 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2021 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale et réalisée lors d’une résidence artistique de recherche et de création en Islande.

Démarche artistique

Pour cette série intitulée Noblewoman, Anne-Julie Hynes pose un regard intimiste sur la muse qui figure dans chacune de ses œuvres, sa mère. Elle a voulu dépeindre sa beauté brute à travers le temps en s’attardant sur l’individualité et le mystère : beau, jeune et vivant. Chaque photo a été transformée par un collage numérique. Certains photomontages finaux ont fait l’objet de travail textile supplémentaire, par l’ajout de fils ou de laine, et par la perforation.

Biographie de l’artiste

Anne-Julie Hynes est une artiste multidisciplinaire de Montréal. Son travail reflète une relation très forte avec le paysage et la nature. Elle travaille avec différents médiums tels que la peinture, la photographie, le collage et la sculpture.

Son talent lui a permis d'être choisie pour participer à différentes résidences d'art, de recherche et de création à travers le monde. Elle se considère désormais comme une artiste nomade, dont le travail est fortement influencé par le pays où elle installe son atelier.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Ateliers municipaux
• Réalisation : 2023
• Année d'acquisition : 2023
• Médium : Peinture à l’huile sur toile
• Dimensions : 32 x 40 pouces

Démarche artistique

Afin de souligner le 175^e anniversaire de Sainte-Thérèse, la Ville a donné le mandat à l'artiste Maxime Lacourse de reproduire le site de la Place du marché.

Ses peintures, principalement peintes à l’huile et à l’encaustique sur panneaux de bois, nous touchent par leurs sujets : le monde onirique de l’enfance, entre le souvenir et le rêve, où la douceur des teintes et la lumière en clair-obscur traduisent des atmosphères particulières alliant un caractère à la fois familier et mystérieux. Ses œuvres, hors du temps, trouvent une parenté avec celles du surréalisme et de certains peintres du régionalisme américain.

Biographie de l’artiste

Né à Sainte-Rose, Laval, Maxime Lacourse est dédié à la création artistique et à la peinture depuis plus de 30 ans. Il est boursier de la Fondation Elizabeth Greenshields du Canada et il a fait connaître ses œuvres tant au Québec, qu’à l’international. Il détient un baccalauréat en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2020
• Année d'acquisition : 2022
• Médium : Dessin impression numérique 1/3
• Dimensions : 28.5 po x 46.5 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2022 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

« Par son travail en installation, dessin et photographie, Marie-Josée Laframboise attire notre attention sur les univers relationnels qui tissent le monde, nous invitant de ce fait à en prendre conscience et à les percevoir différemment » (Beaulieu, Jean-Philippe. Les déclinaisons du réseau, Montréal : Présentation – Marie-Josée Laframboise).

En dialogue avec ses recherches sur l’appropriation spatiale et la mise en réseau de multiples matières, ses pratiques du dessin et de la photographie, toujours ancrées dans le questionnement sur l’espace, explorent et prolongent le concept du réseau. Particulièrement dans les dessins récents, dont le projet Gymnase, des éléments visuels issus d’un contexte industriel ou institutionnel sont intégrés à des compositions abstraites où des référents à la réalité cohabitent avec des figures géométriques. Ces diverses compositions abstraites relèvent directement de l’acte de tracer sur une surface et dans l’espace, des traits destinés à donner une représentation d’éléments en réseau.

Ses installations peuvent aussi être appréhendées d’un point de vue graphique, dans la mesure où elles relèvent directement de l’acte de tracer, sur une surface, des figures d’éléments en réseau, faisant parfois référence aux structures de systèmes mathématiques tels que les points d’inflexions et de rebroussement, le vecteur ou la courbe de Bézier. Le fil, le tube, le filet, les segments de cerceaux viennent emplir les lieux, tandis que les matières greffées aux parois de l’espace d’exposition – mur, plafond, colonne, poutre, sol – créent des parcours inhabituels, nous invitant à circuler à l’intérieur de structures ou, au contraire, à éviter certains lieux de passage préétablis.

Biographie de l’artiste

Née à Québec, Marie-Josée Laframboise vit et travaille à Montréal. Titulaire d’un baccalauréat en arts plastiques (1987) de l’Université du Québec à Montréal (UQAM), elle obtient en 2002 une maîtrise en arts visuels de l’Université Concordia. En 2000, au cours de ses études à la maîtrise, elle participe à un échange international à la Glasgow School of Art. Elle enseigne depuis 2006 au département d’arts visuels du Collège Lionel-Groulx. Ses œuvres ont été présentées en Allemagne, Autriche, Belgique, Canada, Écosse, France et Suisse lors d’expositions individuelles et collectives, de résidences ou de symposiums. On trouve ses œuvres au sein de collections privées et publiques importantes, dont la collection Prêt d’œuvres d’art du Musée national des beaux-arts du Québec, le Musée d’art de Joliette, la collection du Cirque du Soleil ainsi que celle de la Fondation Christoph Merian, en Suisse. De plus, ses projets ont bénéficié à maintes reprises du soutien du Conseil des arts du Canada et du Conseil des arts et des lettres du Québec.

Site Web de l'artiste Vidéo explicative

• Titres des œuvres :

  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Ancien Hôtel de Ville de Sainte-Thérèse
  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Ancienne Gare de Sainte-Thérèse
  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Quartier des cent maisons
  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Maison Lachaîne
  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Ancienne usine de pianos
  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Ancien bureau de poste
  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Brasserie Douglass
  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Maison Joseph-Filion
  Ressouvenance à Sainte-Thérèse | Église Sainte-Thérèse-d’Avila

• Médium : estampes gravées sur matrices d’acrylique et imprimées à la cuillère sur papier japonais

• Année de réalisation : 2023

• Dimensions : 8 œuvres de 10,5 po x 13,5 po et 1 œuvre de 13,5 po x 10,5 po

• Localisation : Hôtel de Ville

• Année de donation : 2023

Ces 9 œuvres ont été offertes par l’artiste dans le cadre du projet Ressouvenance à Sainte-Thérèse, présenté sur les panneaux d’art public installés au Parc Foisy de juin 2023 à juin 2024. Ces œuvres sont les esquisses du projet d’estampes interactives où l’artiste s’est engagée dans une démarche de documentation des lieux emblématiques de Sainte-Thérèse afin que leur histoire et leur identité ne soient pas abandonnées.

Démarche artistique

Ma pratique artistique en estampe est constamment en mode recherche-création et elle s'articule actuellement sur la base de différentes observations que j'ai réalisées à propos du paysage et du territoire qui m'entoure. Je vois le territoire comme une trame où les actions politiques et les considérations économiques viennent restreindre son étendue. Le territoire est remodelé pour présenter une nouvelle cartographie. L'étalement urbain prétend à une évolution sociétale. Ce faisant, notre histoire, notre identité sont constamment abandonnés. Bâtiments et lieux revêtent un état de déréliction. Dans ce contexte, je constate l'effacement, l'oubli. J’observe les cicatrices laissées par l'occupation humaine. D’autre part, les différentes occupations des bâtiments laissent une empreinte et je documente ces changements. En prenant acte de ce qui m’entoure : les vestiges patrimoniaux, les échos des résidents, de leur histoire et le passage des ans, j’effectue une nouvelle lecture et documente les constats qui vont faire ressurgir la ressouvenance.

Mes œuvres allient les nouvelles technologies et les techniques traditionnelles en bois gravé, linogravure et lithographie sur plaque. Elles intègrent l'outil mobile (téléphone intelligent) et leurs applications disponibles. Le potentiel de cet outil m'a permis d'envisager un nouveau processus de création.  Par l’entremise de ces applications, je passe de la photographie de mes sujets à leur transformation et prépare l’image pour l'estampe. Récemment, j'ai intégré la réalité augmentée (RA) pour ajouter à l'expérience d'appréciation de mes œuvres. Je m’intéresse de plus en plus à l’intégration du numérique dans ma pratique.

Biographie de l’artiste

L’artiste Marie-Josée Lebel est originaire de Trois-Rivières, elle réside actuellement dans la municipalité de Brébeuf dans les Laurentides.  Bachelière en enseignement des Arts plastiques, Marie-Josée Lebel détient une maîtrise en muséologie du programme conjoint de l’UQAM et de l’Université de Montréal.

Au cours des années, la pratique enseignante a pris une large part de son travail. Elle a aussi plusieurs expériences en muséologie, en commissariat et médiation culturelle. Plusieurs formations de maîtres et de mise à niveau sont venues enrichir sa connaissance des différentes techniques artistiques. Bien qu’elle ait eu l’occasion d’exercer les techniques de l’estampe de façon épisodique, la peinture et l’enseignement ayant été plus présents, le domaine de l’estampe a toujours été sa technique préférée.  Depuis près de dix ans, l’artiste s’y consacre exclusivement en se perfectionnant à l’Atelier de l’Île de Val-David.

L’artiste a reçu une bourse de perfectionnement du Conseil des arts du Canada pour développer sa pratique en intégrant des applications numériques à ses estampes. Elle a été sélectionnée par la revue Continuité pour réaliser une œuvre en lien avec l’une des sept merveilles patrimoniales du Québec. Elle est membre de l’Atelier de l’île situé à Val-David et s’est impliquée à son conseil d’administration pendant quelques années. Elle est aussi membre Zocalo, centre d’artistes en arts imprimé de Longueuil, où elle a fait une résidence en 2022, ainsi qu’avec Les Ateliers BSP de Baie-Saint-Paul et TOPO, centre de création numérique. Elle est membre du RAAV et du Conseil de la culture des Laurentides. Elle fait partie de différents comités défendant la culture sur le territoire laurentien.

Elle a présenté plusieurs expositions individuelles et collectives au pays : Québec, Alberta; ainsi qu’à l’international : Luxembourg, Suisse. Ses œuvres font partie de la collection de la Ville de Saguenay, de la Banque Nationale et de collection privées au Canada, en Allemagne, en France, en Autriche, et aux États-Unis.

Site Web de l'artiste

• Localisation : À venir
• Réalisation : 2013
• Année d'acquisition : 2013
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 22 po x 28 po

Œuvre réalisée dans le cadre du Symposium de peinture de la relève en art actuel 2013, elle fut acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2014.

Démarche artistique

Rachelle Marcoux est la grande gagnante des éditions 2012 et 2013 du Symposium de peinture de la relève en art actuel de la Ville de Sainte-Thérèse. Elle a reçu le premier prix de la Caisse Desjardins Thérèse-De Blainville en 2013, pour Dieu ayde qui s’ayde! sous le thème « Sainte-Thérèse, lieu d’inspiration ». L’œuvre, qui met en vedette les armoiries de la Ville de Sainte-Thérèse, fut acquise par celle-ci l’année suivante.

Biographie de l’artiste

Née à Montréal, Rachelle Marcoux a été résidente de Sainte-Thérèse et étudiante en arts plastiques au Collège Lionel-Groulx. En 2012, un de ses projets en art visuel lui vaut le prix Praxis, remis par Praxis Art Actuel, le centre d’artistes autogéré de Sainte-Thérèse. Cette installation artistique a été par la suite exposée au festival Art souterrain de Montréal, en 2013. 

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2006
• Médium : Frottis sur texture de bois
• Dimensions : 22 po x 28 po

Gagnante de l’édition 2006 du Symposium de peinture de la relève en art actuel de la Ville de Sainte-Thérèse, cette œuvre a ensuite été acquise par la Ville. Pilier du développement de Sainte-Thérèse, l’usine des pianos Lesage a marqué la vie de bien des gens, dont les grands-parents de l’artiste qui y ont travaillé.

Démarche artistique

Dans son travail, chaque paysage, d’abord photographié, puis peint, dessiné, sculpté ou gravé, découle d’un site existant rencontré au cours de ses nombreuses pérégrinations. L’artiste s’intéresse aux lieux en transition qui passent souvent inaperçus, à leur histoire, mais surtout à ce qu’ils représentent, aux valeurs qu’ils véhiculent et à la façon dont ils sont perçus.

Biographie de l’artiste

Née en 1981, Marie-Ève Martel vit et travaille à Blainville. Détentrice d’un baccalauréat en beaux-arts (spécialisation en peinture et en dessin) de l’Université Concordia (2006), elle a également suivi une formation en photogravure ainsi qu’en céramique. Elle a exposé à plusieurs reprises au Québec et a participé à deux résidences d’artistes en 2009. Elle a reçu plusieurs prix et bourses, dont la Bourse Elizabeth Greenshields à trois reprises et une Bourse de Type B de Recherche et Création du CALQ. Le travail de Martel fait partie de différentes collections d’œuvres d’art, dont la Collection de la Ville de Montréal, la Collection Loto-Québec et la Collection du gouvernement du Yukon. 

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2016
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 30 po x 24 po

Démarche artistique

Dans son travail, chaque paysage, d’abord photographié, puis peint, dessiné, sculpté ou gravé, découle d’un site existant rencontré au cours de ses nombreuses pérégrinations. L’artiste s’intéresse aux lieux en transition qui passent souvent inaperçus et à leur histoire, mais surtout à ce qu’ils représentent, aux valeurs qu’ils véhiculent et à la façon dont ils sont perçus.

Biographie de l’artiste

Née en 1981, Marie-Ève Martel vit et travaille à Blainville. Détentrice d’une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal ainsi qu’un baccalauréat en beaux-arts (spécialisation en peinture et en dessin) de l’Université Concordia (2006), elle a également suivi une formation en photogravure et en céramique. Elle a exposé à plusieurs reprises au Québec et a participé à deux résidences d’artistes en 2009. Elle a reçu plusieurs prix et bourses, dont la Bourse Elizabeth Greenshields à trois reprises et une Bourse de Type B de Recherche et Création du CALQ. Le travail de Martel fait partie de différentes collections d’œuvres d’art, dont la Collection de la Ville de Montréal, la Collection Loto-Québec et la Collection du gouvernement du Yukon.

• Localisation : À venir
• Réalisation : 2023
• Année d'acquisition : 2024
• Médium : Photo/collage
• Dimensions : 63,54 cm x 47,61 cm

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2024 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

L'architecture – domestique, institutionnelle, urbaine, rurale, biologique ou imaginaire – se trouve au coeur de mes réflexions sur le paysage et l'espace vécu. Je m'intéresse la plasticité du paysage, notre fa on d'habiter l'espace, aux dynamiques spatiales entre « nature et culture », mais surtout ce que ces lieux architecturés représentent, leur impact sur l’imaginaire et le comportement humain, aux valeurs qu'ils véhiculent et la nature cyclique de l’espace qui nous entoure. Ma pratique multidisciplinaire – en peinture, dessin, sculpture, installation, impression numérique et gravure – est entre autres inspirée par le maquettisme, le romantisme, le surréalisme, la science-fiction, la théâtralité, et s’inspire souvent d’une documentation photographique personnelle cumul e au fil de mes pérégrinations. En portant une attention particulière aux ambiances, aux symboles et aux « codes spatiaux » dans mes représentations/constructions de paysages/espaces je raconte une histoire entre réalité et fiction. 

En 2022, j’ai entamé un projet exploratoire de « sculptures vivantes » - soutenu par le CALQ et le CAC. Dans la tente photographique hydrofuge que j’ai fabriquée, je photographie la croissance de champignons vivants que je cultive, pour créer de courtes vidéos (des timelapses), qui deviennent ensuite des collages vidéos numériques. Ces multiples collages vidéo sont superposés sur des fonds 2D, constructions architecturales g om triques abstraites fabriquées partir d’un logiciel de modélisation 3D ou fabriquées manuellement partir matériaux divers (glaise, plâtre, ciment, bryophytes & mousses cultivées, etc), puis photographiés et d tour s ou utilisés tels quels. Cette exploration du vivant prend aussi la forme de photos/collages/dessins numériques et une s rie de photographies traditionnelles est aussi en cours de production depuis. Je souhaite également reprendre les pinceaux et les crayons pour faire une série inspirée par ce travail sur toile et papier. Finalement, j’expérimente aussi avec la fabrication de mycomatériel (le substrat inoculé de champignon est englobé par le mycélium – les « racines » et la plus grosse partie du corps du champignon – jusqu’à former une masse blanche uniforme qu’on sèche et qui durcit pour être plus dur que le bois) et j’y travaille dans l’optique d’utiliser ce mat riel dans l’ élaboration de projets d’installation intérieur et extérieur.

Biographie de l’artiste

Marie-Eve Martel vit et travaille dans les Basses-Laurentides (Blainville). Elle obtient son Baccalauréat en Beaux-Arts à l’Université Concordia avec honneurs en 2006 et sa Maîtrise en Arts Visuels et Médiatiques à l’UQAM avec mention d’excellence en 2015. Depuis 2006, Martel a exposé à travers le Québec et ailleurs au Canada lors d’expositions solos et de groupes, donc une solo au Musée d’Art Contemporain des Laurentides au printemps 2017, et a participé à plusieurs résidences d’artistes, dont entre autres une résidence au Yukon en 2009 (K.I.A.C.), puis au Vermont en 2011 (Vermont Studio Center).

En 2017, elle est sélectionnée pour participer à Passages Insolites, un parcours extérieur d’oeuvres d’art publiques organisé par ExMuro pour la Ville de Québec, événement pour lequel elle a conçu sa première oeuvre d’art publique semi- permanente intitulée Cube Spatial / Space Cube, qui fera partie de plusieurs éditions subséquentes (exposée aussi en 2018, 2019, 2021 et 2022) vue son succès auprès du public. Martel a reçu plusieurs prix et bourses, dont la Bourse Elizabeth Greenshields à trois reprises (2008, 2009, 2011) et plusieurs bourses du CALQ et du CAC, ainsi que le Prix du CALQ Créatrice de l’année dans les Laurentides. Le travail de Martel fait partie de différentes collections d’oeuvres d’art dont entre autres la Collection de la Ville de Montréal, la Collection Loto-Québec et la Collection du Gouvernement du Yukon.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2014
• Année d'acquisition : 2014
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 36 po x 24 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2014 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Les œuvres de Claude Melançon sont de facture abstraite, spontanée, peu préméditée. Il laisse surgir ce qui doit s’exprimer. Il n’a pas d’interdit, en osant les mélanges de couleurs; en les laissant suggérer des humeurs, des ambiances. Il aime expérimenter les textures, jouer avec la transparence des couleurs et les contrastes entre le flou et le précis, entre la matière et l’empreinte. Au gré de ses expérimentations surgissent quelques fois des formes rappelant des formes figuratives. Dès lors, l’artiste vient exagérer la forme afin de rendre plus facilement visible ce qui, au premier coup d’œil, serait difficilement reconnaissable.

Biographie de l’artiste

Claude Melançon aime créer, que ce soit des meubles, des sculptures, des objets de décoration et des peintures. À l’automne 2007, il commence à expérimenter la peinture en travaillant avec Tania Lebedeff, artiste peintre. Par la suite, il parfait ses connaissances auprès de différents artistes. Depuis 2010, il est actif dans le milieu; chaque année, il participe à un bon nombre de symposiums et d’événements en province. Il possède à son actif plusieurs expositions individuelles. En 2012, dans le cadre de l’événement Artiste au travail présenté à Blainville, il reçoit le deuxième prix du jury accompagné d’une bourse ainsi que du prix Bravo, pour son œuvre intitulée no 132.

Site Web de l'artiste

• Localisation : À venir
• Réalisation : 2023
• Année d'acquisition : 2024
• Médium : Acrylique sur toile galerie
• Dimensions : 30 po x 24 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2024 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Dans ma démarche artistique, je m’intéresse à la façon dont le mouvement se transpose visuellement sur le support. Chaque oeuvre capture un instant précis, mettant en lumière la gestuelle et les émotions du moment. Mon processus artistique requiert à la fois intuition et concentration afin de trouver le juste équilibre entre retenue et audace. Les couleurs se révèlent sous l'impulsion du moment, créant des alliances riches et des textures vibrantes. L'harmonie des couleurs, textures et la disposition spatiale guide ma création, donnant vie à un jeu de formes négatives et positives et offrant une multitude d'interprétations. Inspiré par les courants de l’Automatisme et de l’Expressionnisme, mon travail se veut à la fois actuel et intemporel, exprimant avec intensité l’émotion, le mouvement et la profondeur. L’art abstrait me permet de canaliser ma créativité et mon besoin d’interagir avec la matière. Forte de mon expérience en design industriel et en métiers d'arts, la recherche et le développement occupent une place centrale dans ma pratique artistique. L’exploration des outils, des médiums et des techniques est pour moi un réel moteur de créativité tandis que ma capacité à l’émerveillement guide mes explorations.

Biographie de l’artiste

Maryse Ménard est une artiste professionnelle en arts visuels qui réside et travaille à Sainte-Thérèse au Québec. Elle a grandi à Montréal, dans une famille où l’art et la culture étaient omniprésents. Dès son plus jeune âge, elle s'imprègne du travail de sa mère, une artiste peintre qui a fréquenté l'École des Beaux-Arts de Montréal à l'époque du Refus global. Titulaire d’un baccalauréat de l’École de design de l'UQÀM, elle a connu un brillant parcours multidisciplinaire de designer industriel, céramiste, et créatrice de bijoux. C’est depuis 2020 qu’elle s’investie pleinement dans l’art abstrait. Son travail est représenté par la galerie Artêria. Elle a présenté ses oeuvres dans diverses expositions individuelles et collectives ainsi qu’au Seattle Art Fair et au Affordable Art Fair de New York. Une de ses oeuvres fait désormais partie de la collection publique de la Ville de Sorel-Tracy.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2012
• Année d'acquisition : 2020
• Médium : Estampe numérique
• Dimensions : 22 po x 30 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2020 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

L’élément déclencheur dans ses créations est architectural, très porteur sur le plan sémantique et du point de vue de la représentation visuelle. Elle est interpellée par les êtres et les matières qui l’entourent, et particulièrement par leur fragilité et leur ténacité. Elle met ainsi souvent en contexte deux éléments, par des rapports contraires ou parallèles, paradoxes ou corrélations.

Biographie de l’artiste

Geneviève Mercure est bachelière en arts plastiques de l’Université du Québec à Montréal et diplômée de l’École de sculpture de Saint-Jean-Port-Joli. Elle compte plusieurs expositions individuelles et collectives à travers le Québec. Elle investit régulièrement l’espace public, notamment en créant une œuvre d’art dans le cadre de l’intégration des arts à l’architecture à Prévost.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2014
• Année d'acquisition : 2016
• Médium : Techniques mixtes sur toile
• Dimensions : 24 po x 48 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2016 dans le cadre du programme d’acquisition d’œuvres d’art de la collection municipale.

Démarche artistique

La recherche d’Ani Müller porte sur la fragmentation et la différence. Par l’effet d’un miroir brisé, elle déforme l’image et fait éclater la matière. C’est en faisant référence au temps qu’elle nous transporte dans un univers émotif. La combinaison d’images réelles et abstraites rappelle toute la complexité de la mémoire, des souvenirs et des pensées. À travers ses œuvres « imparfaites », Ani Müller parle de l’oubli, de l’erreur et du vécu.

Biographie de l’artiste

Née à Montréal, Ani Müller habite et travaille à Repentigny. Artiste depuis l’enfance, elle choisit de faire ses études collégiales en arts plastiques au Cégep de Joliette pour ensuite compléter un baccalauréat en arts visuels à l’Université du Québec à Montréal en 2003. En plus des nombreuses expositions réalisées à travers le Québec et le Canada, Ani Müller a eu la chance de présenter plusieurs fois son travail en Allemagne et en France. En 2008, elle a obtenu la Médaille de l’Assemblée nationale du Québec.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2002
• Année d'acquisition : 2003
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 37 po x 25 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2003 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Suzie Nadeau peint à l’huile, à l’acrylique, au pastel et elle utilise aussi des techniques mixtes. Elle aime se laisser guider par son intuition pour créer des atmosphères et des ambiances chaleureuses, tel que présenté dans son œuvre Fleurs de fleurs.

Biographie de l’artiste

Née à Montréal en 1958, Suzie Nadeau vit à Sainte-Thérèse depuis 1988. Dès son jeune âge, elle se passionne pour le dessin. Dès 1996, elle tente une approche avec la peinture à l’huile et le pastel. Elle étudie avec différents peintres et travaille à l’atelier de production de Samir Kachami. Suzie Nadeau étudie les arts plastiques à l’Université du Québec à Montréal et participe à de nombreux ateliers de modèles vivants. En 1999 et 2000, elle a été récipiendaire de certains prix lors de sa participation à Blainville-Art.

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2015
• Médium : Gravure sur bois
• Dimensions : 22 po x 30 po

Démarche artistique

Elle s’intéresse aux marques du temps sur la matière et à notre rapport à cette matière. Elle s’intéresse à la nature et à l’espace qu’habitent les êtres et les choses, l’espace entre les êtres et l’espace intérieur de chacun. Les questionnements liés au contexte planétaire dans lequel nous évoluons demeurent en filigrane de son processus artistique. Dans cet espace de réflexion, elle met en avant ou questionne la nature éphémère de notre vie humaine, ses modes de réception-perception, le fragile équilibre entre la nature et le développement de nos sociétés contemporaines et notre résistance face aux changements, malgré notre grande capacité d’adaptation. Elle positionne des formes archétypales, silhouettes humaines dans des univers abstraits et ainsi, questionne le comment vivre ensemble : la communication, la collaboration, la solitude.

Sa pratique évolue entre une recherche picturale et une recherche sculpturale. Dans ce processus créatif, elle s’intéresse aux liens qui émergent dans le carrefour des paramètres propres à chacun des médiums.

Biographie de l’artiste

Artiste et commissaire indépendante, Hélène Brunet Neumann s’implique dans plusieurs organismes culturels de la région des Laurentides. À travers son travail, elle participe à la réflexion sur l’interconnectivité entre les gens, ainsi qu’aux frontières des libertés individuelle et collective. Elle remet en question ainsi notre rapport au monde et notre engagement relationnel. Ces questionnements entrainent une réflexion sur les enjeux environnementaux et sociaux actuels. Détentrice d’un baccalauréat en arts visuels de l’université Visva Bharati, en Inde et d’une maîtrise en études des arts, Hélène Brunet Neumann a présenté ses œuvres dans plusieurs expositions au Canada.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2000 
• Médium : Lithographie
• Dimensions : 27 po x 35 po (avec encadrement)

Démarche artistique

Multipliant les médiums, l’artiste a développé au fil des années une facture à la limite de la figuration et de l’abstraction de laquelle se dégage une forte spiritualité. Ses portraits et paysages ont une forte tendance ésotérique.

Biographie de l’artiste

Né en 1948 à Montréal, d’un père abénaquis et d’une mère irlandaise, Yves-Joseph Nolet est reconnu pour ses œuvres consacrées au paysage et au monde des Premières Nations. Son travail est connu et apprécié à travers la planète et ses œuvres font partie de nombreuses collections publiques et privées, dont celles de trois grands musées canadiens et américains. Nolet a récolté de nombreuses distinctions et divers titres publics au fil du temps.

• Localisation : Bibliothèque
• Réalisation : 2005
• Médium : Aquarelle
• Dimensions : 22 po x 30 po

La Ville de Rosemère a fait don de cette œuvre à la Ville de Sainte-Thérèse en remerciement de son soutien lors de l’agrandissement de sa bibliothèque.

Démarche artistique

Ce qui caractérise les œuvres de Phelps est sans contredit ses couleurs vibrantes et leurs sujets floraux. Elle étudie continuellement et développe son style personnel : le « mouillé sur mouillé », dont l’œuvre acquise est un excellent exemple.

Biographie de l’artiste

Audrey Joice Phelps est née à Montréal. Dès sa tendre enfance, elle démontre un grand talent artistique. Elle fait des études en art commercial, mais dans les années 1980, elle retourne à sa passion première : l’aquarelle. Elle développe peu à peu sa propre technique. Ses œuvres ont été intégrées à de nombreuses collections privées et publiques à travers le Canada, les États-Unis et l’Europe.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2006
• Année d'acquisition : 2007
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 40 po x 60 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2007 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Les voyages de l’artiste se reflètent beaucoup dans ses peintures. Il s’inspire des scènes de la vie quotidienne et d’actions banales. Ces scènes ou objets, pris séparément, peuvent à première vue paraître sans intérêt, mais une fois regroupés dans un même tableau, prennent un tout autre sens.

Biographie de l’artiste

Natif de Montmagny, Yannick Picard vit et travaille à Sainte-Thérèse. Peintre, illustrateur et muraliste, il a déjà participé aux symposiums de peinture de Sainte-Thérèse et a reçu, en 2006, le 1^er prix du Conseil de la culture des Laurentides dans le cadre du concours Jeunes artistes en arts visuels. Parmi ses nombreuses réalisations artistiques, notons son expérience exceptionnelle au symposium « Arte para todos » organisé par l’ONU en 2004, à Tegucigalpa au Honduras.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Ateliers municipaux
• Réalisation : 2019
• Année d'acquisition : 2019
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 62,5 po, x 78 po

Démarche artistique

L’artiste explique que son œuvre image le principe de collectivité qui « comme le covoiturage, permet à différents groupes de personnes de se réunir et de se diriger vers un même lieu, une même direction, un but commun. » De sa perspective, l’enfant placé au volant montre que parfois, il serait dans notre intérêt de laisser les plus jeunes prendre les devants. De plus, différents thèmes liés à la culture tels que la musique, les arts visuels, le patrimoine, ainsi que le dynamisme de notre Village et l’influence des différentes générations se côtoyant à Sainte-Thérèse sont rassemblés au cœur de cette œuvre.

Biographie de l'artiste

Peintre, illustrateur et muraliste, Yannick Picard a fait ses études en arts visuels, d'abord à Québec puis à l'Université du Québec à Montréal. Les nombreux voyages qu’il a faits influencent beaucoup ses œuvres. Il s’inspire également de scènes de la vie quotidienne, de gestes et d'actions banales.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2021
• Année d'acquisition : 2022
• Médium : Dessin sur papier film translucide
• Dimensions : 40 po x 30 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2022 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Cette œuvre fait partie de la série La rivière et elle est inspirée par la rivière aux Chiens. Par son travail, l’artiste fait référence à l’eau et à sa transparence. Cette œuvre sur papier Duralar laisse passer la lumière à travers les couleurs et les textures, comme une eau de rivière limpide.

Biographie de l’artiste

 Louise Piché vit et travaille à Sainte-Thérèse. Après une formation en arts visuels et en histoire de l’art à l’Université de Montréal, elle poursuit son travail en atelier autour des techniques d’estampe. Elle fait un court stage sur la technique de monotype à l’Atelier Graff à Montréal. En 2019, elle a participé à une résidence d’artiste à Buenos Aires en Argentine. Ses œuvres ont été sélectionnées pour la Biennale Internationale d’estampes à Tapei (Taïwan), à la Triennale Internationale d’art à Lublin (Pologne), à l’Exposition Internationale d’estampe numérique miniature XI (Ottawa), ainsi qu’à la Trestle Gallery à Brooklyn (New York). Ses estampes font partie de l’ouvrage de référence L’estampe originale au Québec, 1980-1990.

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• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2016
• Médium : Impression jet d’encre sur polypropylène
• Dimensions : 26,75 po x 27 po

Démarche artistique

L’interprétation du paysage comme vecteur d’expérience est au cœur de sa pratique en photo, vidéo, installation et art interactif. Il s’interroge sur le rapport ambigu que nous entretenons avec la vitesse et les technologies autant que sur les rapports sensibles et cognitifs qui se tissent entre notre corps et le paysage. La ligne d’horizon réelle ou fictive, fixe, vibrante ou défilante est un sujet récurrent dans sa démarche. Déterminante dans la composition du cadre photographique, elle renvoie métaphoriquement à cette idée d’une destination inaccessible comme à celle d’un futur incertain.

Biographie de l’artiste

Bertrand R. Pitt vit et travaille à Montréal. Ses œuvres ont été présentées dans plus d’une vingtaine d’expositions individuelles, dont les centres et galeries (B-312, Occurence, CIRCA, Plein sud, La chambre blanche, Gallery 44 (Toronto), Emmedia (Calgary), Truck Gallery (Calgary), Eye Level Gallery (Halifax), la Galerie de l’UQAC et les Maisons de la culture du Plateau) et dans diverses expositions collectives, projections et résidences au Québec, au Canada, au Brésil, en France et en Suisse. En 2016, son installation Le bruit des yeux faisait partie de l’exposition d’ouverture du nouveau pavillon du Musée national des beaux-arts du Québec retraçant 40 ans de pratique installative au Québec. Son travail a été soutenu à plusieurs occasions par le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Conseil des arts du Canada et fait partie des collections du Musée national des beaux-arts du Québec et de collections privées. Détenteur d’une maîtrise en arts visuels de l’Université du Québec à Montréal, il enseigne au département d’arts visuels du Collège Lionel-Groulx.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2019
• Année d'acquisition : 2021
• Médium : Aquarelle
• Dimensions : 26 x 20 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2021 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Dès son jeune âge, elle crée des vêtements pour ensuite se consacrer aux arts visuels. Devenue artiste-peintre professionnelle, elle adopte une gestuelle spontanée comme technique où la superposition de couches (formes, lignes, couleurs, textures, matériaux et coulures) rend la création constructive. Pour Nicole Proulx, le jeu de composition se niche dans une logique reflétant ses préoccupations face à la société, donnant naissance à des œuvres au symbolisme présent.

Biographie de l’artiste

Artiste dans l’âme, Nicole Proulx transcende son art par ses origines abénaquis qu’elle hérite de sa mère. Amérindienne de deuxième génération et née à Lachine, c’est à Sainte-Thérèse qu’elle s’établit. Grâce à l’eau et au colorant des pigments d’aquarelle ou d’acrylique, elle réussit à former texture, profondeur, fluidité et mouvement, où la liberté est à l’honneur. Sa palette de couleurs vibrantes, qu’elle magnifie par des applications contemporaines du pigment, s’inspire directement de ses origines. Nicole Proulx exprime ses réflexions profondes du monde qui l’entoure par des gestes libres aux interprétations modernes qui oscillent entre l’abstraction et le semi-figuratif.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2019
• Année d'acquisition : 2021
• Médium : Aquarelle
• Dimensions : 26 x 20 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2021 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Dès son jeune âge, elle crée des vêtements pour ensuite se consacrer aux arts visuels. Devenue artiste-peintre professionnelle, elle adopte une gestuelle spontanée comme technique où la superposition de couches (formes, lignes, couleurs, textures, matériaux et coulures) rend la création constructive. Pour Nicole Proulx, le jeu de composition se niche dans une logique reflétant ses préoccupations face à la société, donnant naissance à des œuvres au symbolisme présent.

Biographie de l’artiste

Artiste dans l’âme, Nicole Proulx transcende son art par ses origines abénaquis qu’elle hérite de sa mère. Amérindienne de deuxième génération et née à Lachine, c’est à Sainte-Thérèse qu’elle s’établit. Grâce à l’eau et au colorant des pigments d’aquarelle ou d’acrylique, elle réussit à former texture, profondeur, fluidité et mouvement, où la liberté est à l’honneur. Sa palette de couleurs vibrantes, qu’elle magnifie par des applications contemporaines du pigment, s’inspire directement de ses origines. Nicole Proulx exprime ses réflexions profondes du monde qui l’entoure par des gestes libres aux interprétations modernes qui oscillent entre l’abstraction et le semi-figuratif.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2005
• Année d'acquisition : 2006
• Médium : Peinture à l'huile
• Dimensions : 58 po x 36 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2006 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

L’artiste a développé un langage pictural qui est la suite logique de toutes ses années d’expérience dans le domaine pharmaceutique. Elle demeure fidèle à son sujet : le corps humain. Ses recherches iconographiques et formelles ont donné naissance à des personnages nus auxquels elle a ajouté des parures extérieures. Ils nous ressemblent, ils évoquent notre être et nous amènent à voir non seulement le contenant, mais aussi le contenu. En s’appropriant son sujet, elle dévoile des parties de l’anatomie et rend visible l’intérieur du corps humain tout en permettant sa démystification.

Biographie de l’artiste

En 1986, Guylaine Renière fonde sa compagnie d’illustration. Elle conçoit et réalise alors des illustrations médicales pour plusieurs compagnies pharmaceutiques du Canada. Depuis une dizaine d’années, cette artiste de Mirabel produit des peintures et de petites installations, dont certaines font partie de collections publiques et privées. Guylaine Renière cumule les prix et les mentions depuis plusieurs années. Sa production artistique très personnalisée est empreinte d’humour et de symbolique. Ses tableaux explosifs et séduisants rendent hommage à la femme et à son univers.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2005
• Année d'acquisition : 2005
• Médium : Aquarelle
• Dimensions : 15 po x 22 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2005 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Peintre autodidacte, elle crée particulièrement des paysages de style figuratif. Elle peint de façon particulière et personnelle, juxtaposant lumière et obscurité, créant ainsi de forts contrastes. Elle travaille la transparence par des superpositions de couleurs et utilise parfois plusieurs médiums. Elle aime sortir des sentiers battus par une étude approfondie du sujet sur lequel elle travaille. Pour elle, c’est là que se jouent la passion, la musique, la poésie et la magie.

Biographie de l’artiste

Native de Saint-Elzéar de Beauce, Madone Simard vit et travaille à Rosemère. Elle anime des cours d’aquarelle et de croquis, puis donne des ateliers de stimulation artistique depuis 1996. Elle agit aussi à titre de jurée lors de différents concours et expositions ainsi que pour l’évaluation de dossiers de futurs membres d’organismes. Elle a été présidente du comité socioculturel de Rosemère de 1992 à 2006 et est la fondatrice du Regroupement des artistes de Rosemère, dont elle a été aussi présidente de 1994 à 1999. C’est aussi à cette artiste que l’on doit la création du Symposium de peinture et de poésie de Rosemère, créé en 2000.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2023
• Médium : Impression numérique et découpe manuel
• Dimensions : 8,27 po X 5,83 po
• Editions : Exposition immersive : "Où est Shaby"

Cette œuvre a été offerte par l’artiste lors de son passage à la Ville de Sainte-Thérèse en 2023 dans le cadre de la création de la murale Tous ensemble à l’arrière du bâtiment situé au 34, rue Blainville Ouest.Œuvre remise à la Ville de Sainte-Thérèse par le Conseil de la culture des Laurentides à titre de prix Municipalité, dans le cadre des 23^e Grands prix de la culture des Laurentides en 2012.

Démarche artistique

Cette illustration fait référence à l 'Exposition Immersive « Où est Shaby » dans le Musée des Tissus avec le festival Airt de famille. L’idée était de rendre hommage à la célèbre bande-dessinée « Où est Charlie? » en représentant une accumulation de personnages (147) pour que le spectateur petit ou grand puisse se fondre dans ce paysage bien particulier."

Biographie de l’artiste

Né à Annecy en 1996, Charly Collomb Aka Shab dessine depuis son enfance. En argot, chab veut dire « regarde ».

Inspiré par la culture hip hop, Shab débute en pratiquant le breakdance et le parkour et se trouve finalement une véritable appartenance pour le mouvement du graffiti et de l’art urbain. Natif de Haute-Savoie, c’est en arrivant à Lyon pour ses études qu’il commence à peindre sur les murs de la ville et sur toiles. À travers ses oeuvres, il s’intéresse à différents mouvements tels que la figuration libre à l’art naÏf comme à l’illustration de presse, ses inspirations sont pluridisciplinaires.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2016
• Année d'acquisition : 2020
• Médium : Gravure, collagraphie et chine collé sur papier arches
• Dimensions : 16 po x 25 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2020 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Jacqueline Tourigny se questionne sur les rapports entre solide et éphémère, la transformation de la matière, l’impact du temps et les traces qu’il laisse. Elle propose de participer au cycle de la nature, sous la devise « Rien ne se perd, tout se transforme et se crée ». Elle fait un rapprochement avec la matière, mais aussi avec le monde qui nous entoure. Dans cette œuvre, elle fait référence à la nature, à sa préservation, au passage du temps dans un environnement en perpétuelle transformation. Les racines expriment notre interrelation ainsi que notre lien à la terre et à la nature.

Biographie de l’artiste

Née à Ottawa, Jacqueline Tourigny vit maintenant dans les Laurentides. Elle s’intéresse très tôt à l’art, explorant différents médiums. Fille de musicien, elle étudie le piano au Conservatoire royal de musique de Toronto. C’est au cours de ses études universitaires qu’elle découvre sa passion pour la gravure. Après avoir complété un baccalauréat en arts plastiques à l’Université du Québec à Montréal, elle décide de nourrir une autre passion, soit celle de l’écriture. Elle est détentrice d’un certificat universitaire en création littéraire et est maintenant artiste multidisciplinaire.

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : Année : 2019
• Année d'acquisition : 2020
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 24 po x 24 po

Œuvre acquise par la Ville de Sainte-Thérèse en 2020 dans le cadre du programme d’acquisition de la collection municipale.

Démarche artistique

Sa démarche artistique s’appuie sur le concept du yin et du yang, cette notion de complémentarité que l’on retrouve dans tous les aspects de la vie et qu’il applique dans l’interaction des couleurs pour donner vie à ses tableaux. Dans cette œuvre, l’artiste invite le regard à se poser par-dessus l’épaule de ces vieux sages, à leur suggérer le pion à jouer. Un instant volé, témoin de notre époque, qui unit cobalt, céruléen, outremer, sur un discret fond orangé.

Biographie de l’artiste

Claude Tousignant est né à Montréal en 1960. Artiste peintre, le dessin a été sa passion première, ce qui caractérise bien son processus de création artistique. Après des études en graphisme, il travaille de nombreuses années dans le domaine de l’imprimerie et participe à la réalisation de livres d’art tant pour des musées que pour de nouveaux artistes qu’il se plait à découvrir. Il touche en dilettante à plusieurs médiums tels que les pastels, l’huile, les crayons, la sculpture, mais privilégie la peinture acrylique pour ses nombreuses possibilités créatrices.

Site Web de l'artiste

• Localisation : Hôtel de ville
• Réalisation : 2017
• Année d'acquisition : 2017
• Médium : Acrylique sur toile
• Dimensions : 19.7 po x 19.7 po

Œuvre offerte par la Ville d’Annecy afin de souligner le 30^e anniversaire du pacte d’amitié qui unit Annecy et Sainte-Thérèse. Elle a été intégrée à la collection municipale d’œuvres d’art de Sainte-Thérèse en 2017.

Démarche artistique

Au cours des 20 dernières années, il a acquis une expérience plurielle, parfois improbable et inattendue, mais toujours féconde et constructive… Expérience humaine d’abord, fondée sur l’écoute et le dialogue avec les publics des plus variés : chefs d’entreprises, médiateurs culturels, élus, responsables administratifs, techniciens de la chaîne graphique, il a conduit et géré une multitude de projets, de leur conception à leur mise en œuvre. Expérience créative, naturellement, il a abordé au fil des années la création sous tous ses aspects, à travers une palette de réalisations multiples et originales. Expérience technique solide, il a une connaissance intime du métier et de ses subtilités.

Biographie de l’artiste

Minh Tran est un artiste indépendant, né au Viêtnam. Diplômé en arts graphiques et design de l’Université de Montréal, il a vécu au Québec pendant 8 ans. Il vit aujourd’hui à Annecy, en France. Minh Tran insuffle une mélodie picturale loin des spéculations passagères, dans l’espoir intime que son art réconcilie.